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Le hip hop : à chaque génération, ses défis

Le hip hop est-il seulement un loisir ? On oublie souvent que cette pratique a émergé autour d’enjeux politiques, sociaux et artistiques. Elle a permis à des jeunes de classes populaires de lutter collectivement contre le phénomène de stigmatisation des jeunes de banlieues. Aujourd’hui, cette danse est pratiquée par une plus grande diversité de personnes. Comment chaque génération de danseurs et danseuses se définit ? Quels sont les défis auxquels ces générations font face ?



Aujourd’hui, le hip hop fait partie du paysage culturel français. Plus qu’un loisir, il est pour certains une voie de professionnalisation. En s’appuyant sur une enquête qualitative réalisée entre 2017 et 2020, Aurélien Djakouane et Louis Jésus montrent comment les contextes socio-politiques et économiques exercent une influence sur l’évolution de la construction identitaire des danseur·ses de hip hop. Ils analysent cela à travers trois périodes :

  • Son émergence dans le contexte social et politique des années 80 pendant lequel les danseur·ses construisaient leur identité par le choix d’un style et/ou l’appartenance à une communauté ;
  • Son intégration au marché du travail artistique entre les années 90 et 2000 qui a pour effet d’amener les artistes à accorder moins d’importance aux styles mais davantage aux retombées économiques de leur activité professionnelle ;
  • Son institutionnalisation progressive par les politiques de la ville, qui amène à de véritables défis (financier, évolution de carrière, reconnaissance…). Aujourd’hui, nous parlons moins d’une identité par le style qu’une identité construite en fonction de la demande des prestations. Les danseur·ses sont aujourd’hui plus polyvalent·es. C’est une génération qui touche à tous les styles.

Danser pour « sortir de la rue »

Entre 1965 et 1980 apparait la première génération des danseur·ses de hip hop en France. L’enquête identifie trois caractéristiques spécifiques de cette première génération. Tout d’abord les motivations dépassent le cadre artistique. Les enquêtés et les enquêtées évoquent souvent dans leur discours l’idée de « revanche sociale » ou d’« intégration par la danse ». En effet, à cette époque, les habitants et habitantes des banlieues urbaines populaires font face à un phénomène de stigmatisation. Le hip hop est un moyen pour les danseur·ses, souvent des hommes racisés issus de quartiers populaires, d’intégrer un groupe et de lutter contre les discriminations qui les visent. Cependant, de nombreuses politiques de la ville utilisent aussi cette pratique culturelle comme un outil permettant de contrôler et canaliser la jeunesse. Or, cela accentue la stigmatisation des jeunes vivant dans les quartiers populaires et ralentit la reconnaissance artistique de cette danse. Selon l’enquête, le principal objectif de cette première génération est donc de « sortir de la rue » et de légitimer leur pratique.

La deuxième caractéristique de cette première génération est son caractère collectif et collaboratif. Le hip hop commence à bénéficier d’une visibilité nationale grâce à des émissions de télévision, et les premières battles de danse spontanées prennent de la place dans l’espace public. Ils deviennent des espaces où les danseur·ses peuvent se retrouver et échanger sur leur technique. Mais les premiers collectifs de danse restent peu nombreux et reçoivent peu de soutien et de financement public. L’évolution professionnelle des premiers danseur·ses reste donc restreinte aux mêmes collectifs et peu réussissent à faire carrière dans le hip hop.

Enfin, cette première génération évolue dans une pratique qui est peu formalisée. Le recrutement se fait principalement par « bouche-à-oreille » et ces dernier·es doivent ainsi affirmer leur identité artistique afin de devenir visibles aux yeux des recruteurs et recruteuses. Cela peut passer par la revendication d’un style de danse. Ce style permet à la fois, d’affirmer une identité artistique et une identité sociale et locale. Plusieurs enquêté·es évoquent l’importance du territoire dans lequel ils vivent dans la construction de leur style artistique. En d’autres termes, le lieu de pratique est souvent relié au style de danse.

Professionnalisation et diversification des profils

La deuxième génération évolue dans un contexte de transformation professionnelle du hip hop entre la fin des années 90 et le début des années 2000. L’enquête identifie trois évolutions fondamentales des conditions de travail des danseur·ses. Tout d’abord cette période est caractérisée par une certaine ouverture et par la multiplication et la différenciation des compagnies dans tous les styles du hip hop. En effet, le hip hop est de plus en plus médiatisé, ce qui favorise l’intérêt de l’industrie culturelle et le développement d’une « culture du business ».  Parallèlement, le hip hop commence à s’ouvrir à un public plus large, sous l’effet des représentations qui se multiplient. Enfin, cette ouverture sur le marché de l’industrie culturelle favorise aussi le développement des pratiques amatrices. Ces évolutions permettent aux danseur·ses de recevoir plus d’opportunités professionnelles mais celles-ci sont aussi souvent plus précaires. Cela se répercute sur leur identité. En effet, pour assurer leur stabilité financière, les danseur·ses sont contraints de multiplier leurs activités artistiques dans plusieurs secteurs du hip hop, mais aussi à l’extérieur de la scène, en se tournant par exemple vers l’enseignement.

Cette multiplication des expériences a pour conséquence d’individualiser les parcours des danseur.ses. En effet, comme ils ou elles sont contraint·es de multiplier et diversifier leurs activités artistiques, ils alternent entre expériences collectives dans leur compagnie d’origine ou celles proposées par d’autres collectifs ou encore des expériences individuelles. Cela leur permet aussi d’être moins dépendant·es des collectifs d’origine. Les décisions en lien avec leurs activités professionnelles sont liées à des préoccupations financières.

Enfin, ces différentes évolutions du hip hop favorisent la diversification des profils, surtout en ce qui concerne le genre. En effet, cette période se caractérise aussi par une ouverture de la discipline aux femmes. Mais bien que les femmes accèdent à des fonctions de recrutement comme celui de chorégraphe, elles y restent encore peu nombreuses. Il y a de plus en plus de femmes qui pratiquent le hip hop mais elles doivent affronter de nombreux obstacles. Elles font face à un problème de reconnaissance et de sexualisation de leur corps de danseuse. Ceci génère des tensions chez les danseuses et rend leur insertion professionnelle plus difficile.  Cela les amène parfois à créer des compagnies essentiellement constituées de femmes pour pouvoir se protéger des violences auxquelles elles peuvent être confrontées au sein de la discipline. Le hip hop est un milieu artistique largement dominé par les hommes.

Intégrer les réseaux institutionnels 

De la fin des années 90 jusqu’à nos jours, les danseur·ses de la troisième génération exercent dans un univers du hip hop en constante évolution. Celui-ci est de plus en plus segmenté, avec de nombreux styles de danses. Le Hip hop est de plus en plus médiatisé à travers notamment des compétitions internationales qui n’étaient pas encore présentes pour la deuxième génération. La multiplication de formations professionnelles amène les danseur·ses à intégrer différents espaces professionnels. Selon l’enquête, depuis 2015, il existe trois pôles professionnels dans le marché du hip hop : la création scénique, les battles et les prestations commerciales.Les danseur·ses se répartissent dans ces pôles ou marchés.

Dans la continuité de la précédente génération et plus encore, celle-ci se caractérise par une « hyper-individualisation » des parcours professionnels. Le nombre plus important d’emplois de courte durée et la spécialisation des danseur·ses dans ces « pôles » rendent plus difficile la vie artistique des compagnies, car ces dernier·es ont souvent des emplois du temps instables. Il.elles sont amené·es à privilégier leur propre carrière davantage que celle de leur collectif. Il.elles vont toucher à tous les secteurs d’activité du hip hop selon les opportunités qui se présentent, afin de garantir leurs sources de revenu. Mais selon l’enquête, ce qui distingue cette génération de la précédente est le fait que cette multiplication d’activités n’est pas subie mais souhaitée par les danseur·ses. Par exemple, la plupart choisissent à la fois d’évoluer vers une carrière artistique et de donner des cours. Finalement, la revendication d’un style central dans les générations précédentes est pour celle-ci peu importante. Au contraire, la polyvalence est aujourd’hui la clé pour réussir professionnellement dans cette pratique.

Un des enjeux principaux de cette génération est d’intégrer des réseaux professionnels les plus reconnus. En effet, les danseur·ses de hip hop entretiennent des interconnexions favorisant les opportunités professionnelles. L’enquête donne un exemple qui illustre bien ces réseaux. En effet, un danseur a été repéré par des chorégraphes lors d’une battle, il.elles vont lui proposer d’intégrer leur compagnie. Or cette compagnie entretient aussi des liens avec « la Maison de la danse », qui est une institution culturelle importante de la région lyonnaise. En intégrant des « établissements publics labélisés » dirigés par des chorégraphes, le danseur pourra évoluer plus facilement dans la discipline. Cette structuration du hip hop autour d’établissements publics spécialisés marque un tournant dans l’institutionnalisation de ce style de danse. Intégrer ces réseaux permet aux danseur·ses une meilleure insertion professionnelle et une meilleure reconnaissance.  Cela amène plus de stabilité professionnelle et financière pour les plus reconnus.

Cependant, aujourd’hui pour évoluer dans une carrière professionnelle, il est important que les danseur·ses soient formé·es à la gestion de leur image et doté·es en ressources scolaires. En effet, les recruteur·ses accordent de l’importance à la façon dont ils présentent leur discipline artistique. En effet, les réseaux sociaux sont un outil de visibilisation pour les danseur·ses et souvent un espace de recrutement. La gestion de son image devient importante ainsi que la capacité de comprendre les enjeux que cela représente. Les écoles et les formations spécialisées qui se sont développées pour cette génération permettent aussi aux femmes d’accéder à une qualification plus grande qu’auparavant et de franchir les obstacles qui se mettent sur leur chemin.

Cependant, l’enquête met en avant l’existence d’un paradoxe dans le fonctionnement de cette nouvelle génération. En effet, les danseur·ses accordent moins d’importance aux catégories de styles et revendiquent une plus grande polyvalence, mais à l’inverse les formations professionnelles sont spécialisées autour d’un pôle d’activité du hip hop, ce qui permet une insertion professionnelle plus facile. En d’autres termes, au départ, pour pouvoir exercer une activité professionnelle, les danseur·ses sont formé·es et spécialisé·es dans un secteur, et ensuite il.elles deviennent polyvalent·es pour pouvoir continuer leur activité, évoluer dans le hip hop et faire carrière.

Depuis l’émergence du hip hop dans les années 80, cette pratique a beaucoup évolué. D’abord marginalisée dans les discours politiques et médiatiques, elle a ensuite fait l’objet de politiques spécifiques. Cette analyse historique témoigne d’une rupture identitaire vis-à-vis des pratiques des pionnier·es. Aujourd’hui, il est plus difficile de rendre compte d’identités artistiques générationnelles dominantes car l’institutionnalisation du hip hop par les politiques publiques a favorisé une individualisation et une professionnalisation des pratiques. Le hip hop fait partie d’un marché dans lequel les danseur·ses sont tenus de diversifier leurs pratiques.

Finalement, à l’origine le hip hop était une pratique mue par des revendications politiques et sociales avec comme objectif de rendre visible des personnes marginalisées. Mais aujourd’hui, la pratique du hip hop est-elle pour autant déconnectée d’enjeux politiques et de revendications sociales ?


Illustration d’Adèle Huguet pour Mondes Sociaux : licence CC BY-NC-ND

Pour découvrir ses dessins, https://adelehuguet.wordpress.com/

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OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
Élisa Laserre (15 septembre 2025). Le hip hop : à chaque génération, ses défis. Mondes Sociaux. Consulté le 17 février 2026 à l’adresse https://doi.org/10.58079/14nwo


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